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技巧練習
         Skill and Practice

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為什麼要依照安排的指法練習?
            By Kris

   

 

 

 

為什麼從初學開始,就要要求小朋友要照譜上的指法彈。在這幾年的教學中,當學生一沒有照指法彈時,被我一糾正,我就常常聽到小朋友說:「 為什麼我要照譜上的指法彈?我這樣彈也可以彈啊。」
那到底為什麼要依照安排的指法來彈呢? 其實以初學者來說,在看譜還不是這麼熟悉的時候,指法可以幫助腦袋將音.鍵盤和手指做連結。在看到新的樂譜時,可以比較快的將一首新曲子的彈出來。但這點也要小心,有些學生會藉著譜上指法的方便性,在彈琴時就直接只看指法,卻不看音,就忽略了此階段也是學習看譜的重要時期,這階段我也認為是彈琴基礎習慣(手指站立.指法等等的)養成的重要時期,在進入中級時,也比較不會遇到瓶頸。 到了中級時,已經會接觸比較多的基礎練習的練習曲,練習曲上的指法和曲子,除了練習每隻手指獨立和觸鍵之外,還慢慢的將腦袋和手建立起一種習慣,當以後拿到新曲,碰到類似的音型時,手指就會自然而然地,以以前練習過的指法將其運用,一來也省去這段練習時間,以達到最有效率的練習。 高級這個階段,要開始練習自己安排指法,而安排的指法已經不再是腦中所有練習過的音型套用進去而已,還需要思考,如果以這指法彈,在這首曲子適合嗎?會好聽嗎?當碰到一首新的樂曲時,除了整首樂曲分析之外,指法也是重要的一環,指法編排會影響著音樂的表現,當指法的編排有幾種可能性的時候,就會選擇對音樂表現上最好的指法來彈。另外一面,好的指法安排也可以幫助兩手的手指,有共同的身體韻律,進而幫助背譜和減低忘譜的可能

使用節拍器的重要性
            By Kuan-Che Huang 老師

   

 

 

 

在教學的這六年裡,每次只要學生們聽見我說:「要對節拍器練習喔!」他們臉上就會立刻流露出痛苦且不耐煩的表情,此時我常會心想...「節拍器真的有那麼可怕嗎? 」。其實,節拍器在練習鋼琴時是個非常重要的輔助工具,使用節拍器可以幫助我們建立穩定的節奏感外,也可以讓我們對速度有基本的概念。為什麼小朋友會抗拒它呢?
大部分的學生對於節拍器的理由總是說「對不到」。為什麼對不到,依我觀察的結論是...小朋友幾乎都是用「眼睛」在對節拍器。 Ex: 上發條機械式節拍器,會有一隻鐘擺在左右搖動 or 裝電池電子式節拍器,通常有小紅燈在閃爍 許多學生在對節拍器的時候,眼睛時常會緊盯著鐘擺或閃燈看,同時還希望自己的手眼能夠很協調的可以對到那一聲不會被老師或家長們碎碎念的「答」。但是這樣做的結果是「怎麼對都差那麼一點點,晚了那 0.5秒或快了 0.5 秒等」,隨後也會搞得彈琴的人越來越緊張,然而在越緊張的情況下就會越對不到,慢慢的就會失去耐性且燃起了心中的怒火,最後節拍器就會淪陷到變成鋼琴上「永久性的裝飾品」。 事實上,對節拍器的時候應該是用耳朵聽,而不是用眼睛看。 
解決之道: 
一開始我會先建議學生們可以邊聽節拍器,邊大聲數出拍子,或者先不在鋼琴上彈,先試著用「唱」的方式來對節拍器,因為學生時常會因為對曲子的「不熟悉」,而拖了速度,或者是遇到簡單之處會隨著內心的彭派而加速。
所以不管學生們要彈什麼曲子之前,我習慣會先讓學生們聽幾個小節的速度,情緒稍微穩定後,確定他們抓住節奏的感覺再開始彈奏。如發現彈到一半速度走位了,就會讓他們停下來再專心聽節拍器一次。久而久之,會發現小朋友們的身體、呼吸律動...等會跟著節拍器噹出來的拍子走,節奏自然而然也會順起來了。

學習小提琴常見問題
            By 洪老師

   

 

 

 

今天要和大家分享的是關於想讓小朋友學習小提琴的家長們遇到的幾個常見問題,在這裡詩涵老師整理出大家最想知道的五個問題: 
Q1:學習小提琴之前需要先學習鋼琴嗎? 
學習小提琴前不一定要先學習鋼琴:小提琴和鋼琴是兩個聲音構造和發音方法完全不同的兩個樂器。鋼琴是雙手在鋼琴鍵盤上彈奏發出聲音;小提琴是左手負責按弦,右手負責拿弓摩擦琴弦發出聲音。鋼琴是坐著演奏,小提琴是站著演奏。如果小朋友有學過鋼琴的基礎,在認譜上會比較熟悉,讀譜時會比較容易上手(兩者使用的記譜譜號有共同的高音譜號)。小提琴和鋼琴兩者其實並沒有直接相通的關係,如同棒球和籃球兩樣球類,雖然都是用手打球但是方式並不相同。 
Q2:小朋友從幾歲開始學習小提琴較佳? 
小提琴與其他樂器相比較,是一個屬於入門比較難上手的樂器之一,因為小朋友演奏的期間必須維持站立,夾琴按弦時頭和肩膀需固定在某一特定的角度,按弦演奏時不同的音高有不同的指法等等,許多小朋友在學習的時候會覺得容易疲累導致注意力無法長時間集中。學習小提琴需要較佳的耐心、專注力和理解力,建議學習的年紀以五歲或六歲之後為較為適當的年齡,但是仍須視每一個小朋友的個性和心智發展程度作適度調整 
Q3:小提琴的尺寸分成哪幾種?初學的小朋友需要買很貴的琴嗎? 
小提琴的規格分成 1/16,1/8,1/4,1/2,3/4,4/4 等主要五種尺寸(另外還有 7/8 尺寸,但是尺寸大小與 4/4 差異不大),小朋友使用小提琴的尺寸的大小取決於身高,與年紀無絕對關係。例如 125 公分左右的小朋友建議使用 1/2 的小提琴,115 公分左右的小朋友建議使用 1/4 的小提琴等等。 通常小朋友身高每長高 8-10 公分左右會建議換成下一個更大的尺寸,由於小朋友處於發育期間,身高成長快速,平均一年到一年半之間會換一把更大尺寸的琴,所以建議初學期間不需要幫小朋友購買特別昂貴的琴,一般建議如果沒有比賽的特殊要求,5000-8000 元的小提琴聲音和品質對於大多數初學的小朋友來說已足夠使用。 
Q4:小提琴看起來是一個很難學習的樂器,初學的小朋友每天需要練習多久呢? 
小提琴與其他樂器相比較,是一個屬於入門比較難上手的樂器之一,因為小朋友演奏的期間必須站著,所以需要培養小朋友的體力和耐心,初學的小朋友建議每天練習,讓小朋友能更快熟悉樂器的操作方式。一天練習時間為 5-10 分鐘一個單位,如果小朋友專注力開始下降,可讓小朋友先休息 5 分鐘,接者繼續練習,總時間建議為 30-40 分鐘一天。 Q5:小朋友上小提琴課的時候,家長應該在旁邊陪同嗎? 
由於小提琴是一個操作上較為複雜的樂器,左手和右手的操作方式和角度不盡相同,除了注意譜上的記號之外,小朋友練習時同時還要注意左手和右手的操作方式,難免有時候會漏掉老師上課所交授的重點,建議家長在小朋友上課的時候儘量陪同,旁聽老師的教學並適時標註回家練習時所需要注意的重點,讓小朋友在練習的時候更有效率。

成人也可以學大提琴嗎?
            By Nancy

   

 

 

 

學大提琴會不會很難? 一開始一定會有些難度,主要是弦樂器需要練習右手運弓穩定,加上左手按弦,一開始可能不像其他樂器馬上就上手,不過有耐心且持續練習幾個月後會容易許多。            
練琴時間
大部份的成人,白天都會需要工作,晚上能拉琴的時間不多,可以從每天20分鐘開始練起,持之以恆幾個月後會有很大的進展。教琴這麼多年來,最常遇到的狀況是當學生正開始進入狀況時,就選擇放棄,會非常可惜
         
一定要有樂器嗎
學習樂器都需要固定練習,因此如果可以購買樂器或是租琴對練琴的動力都有很大的幫助         如何挑選樂器
提琴尺寸有1/8,1/4,1/2,3/4,全琴,成人可直接選擇全琴,初學者建議不要挑音質太差的琴,音質的好壞也會影響練琴的意願,音質好的琴就算練空弦聲音也很棒,反之若音質差的琴聲音不好聽,就很容易不想去練琴,挑樂器時盡量不要自己去購買,可以請指導老師幫忙挑選,憑老師多年的演奏經驗和挑琴買琴的經驗一定會是你的最佳顧問。

鋼琴的踏板
            By Kris 老師

   

 

 

 

今天要為大家介紹鋼琴的靈魂機關-踏板:鋼琴右邊的踏板,稱為「制音踏板(Damper Pedal)」,又可稱為「延音踏板」或「切分音踏板」,當這個踏板踩下去時,鋼琴上所有琴鍵的制音器都離開了琴弦,因此手即使離開了琴鍵,聲音還是會持續的延續,直到琴弦自然的震動停止時,聲音才會消失。
鋼琴中間的踏板,又可分為兩種 1.平台式鋼琴中間的踏板稱為「持音踏板(Sostenuto Pedal)」,和延音踏板很類似,差別在於持音踏板只有在踏板踩下去前,所彈奏的音會持續延續下去,持音踏板踩下去後所有彈奏的音,將不會會延續下去,主要功能在於幫助彈琴者延續無法用手持續壓住特定的音,而又希望特定的琴鍵可以持續發聲。 2.直立式鋼琴中間的踏板稱為「練習踏板(Practice Pedal)」,主要功能為將所有的音,變得非常小聲,主要是為個人居家環境所設計,實際演奏將不會使用。鋼琴左邊的踏板,稱為「柔音踏板(Soft Pedal)」,主要是將聲音變得較為小聲,在平台式鋼琴上,每個琴槌應該敲擊三條弦,踩了柔音踏板後,琴槌只能敲擊一弦,音量不只變弱也改變了原有的音色。 最後簡單來為大家說明,在不同程度學生該如何學習踩踏板了: 1.在初學階段 - 踏板運用為一小節換一次為原則,只要跟著拍子起來即可。 2.到中級階段 - 踏板運用變得較為複雜了,不再以一小節換一次為原則,得跟著樂曲的樂句來使用踏板,此時手腳的協調,就得花一段時間練習了。 3.在高級階段 - 手腳已較為協調了,但是踏板不再只是換對地方,沒有留到不該留下的音就好,還必須兼顧整體聲響了,有時樂曲需求,踏板只可以踩1/4的深度或者2/4的深度,不同樂派的聲響也不同,得根據作曲家的需求去做變化和聆聽,雖然看似簡單,只需要上下踩,但每位好的演奏家,可都是花了不少時間在研究踏板的練習運用。 以上的介紹,希望讓大家更了解踏板構造與運用,當然光是文字的敘述一定不夠清楚,非常歡迎實際來練鋼琴,感受聲響上多變的色彩,享受三個踏板的交錯帶來難以言喻的驚喜時刻喔!

如何練習長笛?
            By Pan 老師

   

 

 

 

吹長笛和唱歌一樣,音色是一件很重要的事情,音色好不好聽會影響整體旋律的給人的感覺,長笛屬於單旋律樂器,不像鋼琴可以有和聲、音程的變化,即便是大小聲也沒有辦法像鋼琴那樣輕而易舉地做出來,是需要很長時間的練習,累積自己的能力才可以有明顯的大小聲區別。 那麼音色應該如何練習呢?這個就是學習長笛最基礎也最困難的地方,當然我們有很多種練習方式,最簡單的我們可以透過長音的練習來增加自己的音色。          長音就是讓我們練習怎麼運用氣息,可以先分為2個練習目的,第一,長音顧名思義就是你可以把音吹得越長越好,就是吐氣可以吐得越久越好,這樣我們就不用擔心會需要在樂句之間有吸氣的問題,第二個我們要練習每個音的穩定度,練習可以讓氣平均的吐出來,看似簡單卻是需要經過練習才可以做得更好唷!          手指 吹長笛跟彈鋼琴一樣,需要有好的手型,一樣要在樂器上站好,才能避免受傷,也可以使手指更靈活。 長笛每個音都有不同的指法,所以一開始學習的時候必須要勤加練習讓自己熟記每一個音指法的位置,有一些手指頭在我們天生的構造上面就是沒有那麼有力氣,所以再換音換指法的時候如果遇到這些手指頭必須要特別的注意和練習,例如我們的無名指和小指都是屬於比較沒有力氣的手指頭,必須要經過多次的練習才可以建立他們的肌肉。           點舌 點舌就像我們唱歌中的歌詞發音,發音清楚我們才會聽得懂歌詞是什麼,舌頭的運用必須和手指做完美的搭配,這樣才可以發出美妙的旋律。    
      在現在的生活中,不論大人小孩都非常忙碌,有效率的練習是很重要的關鍵,在練習的過程中,把耳朵打開仔細聆聽,訓練自己有判斷錯誤的能力,進而準確的練習較不熟或常錯誤的地方,以提高練習速率,縮短時間,事半功倍!這樣也會快速進步,大家就可以演奏喜歡的歌曲囉! 另外長笛這個樂器也不侷限是小女生才可以學的樂器唷,也有很多大人當了媽媽甚至是阿嬤了來圓自己小時候的夢想,當然學長笛的男生也是非常多的唷,當今很多非常厲害的長笛演奏家都是男生且顏值也非常高!能夠學音樂是一生中最大的禮物,不僅可以當作抒發情緒的管道,也可以透過學習音樂的過程中,訓練自己的耐心和毅力,最重要的是要相信自己一定做的到!

長笛入門Q&A
            By KiKi 老師

   

 

 

 

相信很多人對吹長笛都充滿著有氣質、優雅的幻想;不過真的要學習時,常會感到現實與想像之間有點落差。 以下 Kiki 老師為大家整理出一些常被問到的 Q&A 供初學者參考。 
Q1:學長笛有年齡限制嗎? 
A1:由於長笛的長度是固定的,所以學習長笛本身手臂長度最好能夠應付長笛的長度;若是手不夠長,就必須讓孩子先使用U型管。此外,年紀較小的孩童較無法了解如何控制嘴部的肌肉,所以以年齡上來說,大致上是國小三年級左右的孩子較適合學習長笛。 
Q2:如何挑選長笛? 
A2:長笛初學者選購長笛時,建議可考慮鎳銀合金材質的長笛,這類材質價位約台幣一萬至兩萬左右。不過一般初學長笛,由於沒有經驗,老師大部分會為學生代為選購或是建議學生買哪個廠牌;這樣一來品質較有保障,也比較不會受騙上當。 
Q3:肺活量不足、氣喘可以學長笛嗎? 
A3:很多人都認為肺活量不足或是患有氣喘的人不適合吹長笛,但其實恰恰相反。學習管樂器就是在訓練如何用腹式呼吸;這種呼吸方式不但可以增加肺活量還可以訓練對肺部及腹部的力度控制,是對身體有益的呢! Q4:長笛要學習多久可初見成效? 
A4:學習長笛最主要的訓練包括:(1).氣的運用;(2).手指靈活度;(3).運舌。在前幾堂課裡(約一個月的時間),通常老師只會讓學生吹吹頭的部分,使其專注於呼吸、運氣和嘴型的學習;然後才能夠學習吹奏整支長笛。大約一年後,大部分學生吹奏一些簡單小曲已不成問題;不過要演奏較長的曲目,當然必須從初學就保持固定有效而持續的練習,才能擁有一定的基礎功底。 
Q5:能不能直接學曲子,不要練枯燥乏味的練習曲? 
A5:要把長笛吹好是沒有捷徑的。以技術上來說,例如聲音穩定度、音色的掌控、手指靈活度等,都是從各式各樣的練習曲裡不斷練習而獲得;所以學生還是一定要練熟這些訓練基本功的練習曲,未來才有能力吹奏出自己喜歡的或是較高難度的曲子。基本功不紮實,容易出現遇速則不達的情況:雖然學會了曲子,但在技巧及音樂性上卻會跑出許多不應出現的缺點,若是要等到吹奏上的不良習慣出現後再來糾正,反而得花費更多的時間重頭訓練。

歌唱的重要性
            By Vivian Chen

   

 

 

 

為什麼上的是鋼琴課,老師卻要鼓勵孩子唱歌呢? 
人類是什麼時候開始擁有音樂的呢?這是一個沒有確切解答的問題。但可以知道的是,音樂的起源來自於人類的聲音。達爾文(Charles Darwin)認為人類模仿鳥鳴及動物的叫聲,是音樂創造的源頭;社會學家布赫爾(Karl Bűcher)提出當人在勞力工作時,呼出有節奏的喊聲,造成了原始音樂的理論。無論是何種說法,都說明了這世上最元老級的樂器,其實就是我們的身體、我們的聲音。 既然我們的身體就擁有最自然的樂器,那麼在學習其他樂器種類時,為何不好好相互運用呢?19 世紀知名的匈牙利作曲家及音樂教育家柯大宜(Zoltán Kodály)曾經說過:「音樂學習的開始必須運用孩子最自然的樂器—歌唱來進行,這是必須確認的價值觀。」他甚至還認為在未能透過歌唱建立音樂基礎能力之前,不應該接觸任何樂器,這是一個很重要的提醒,因為歌唱必須建立在好的樂譜讀寫、節奏辨別,甚至是情感的表達上。透過歌聲,我們才能夠體驗樂曲中的呼吸、音域的高低、樂句的長短及調性上的差別。19 世紀的瑞士音樂教育家達克羅茲(Émile Jaques-Dalcroze)也在他的教學系統中,主張運用歌唱來建立學生音感及調性能力,這些推崇告訴我們,會唱了以後再彈奏樂器,能讓學習樂器的成效事倍功半。 在孩子未能有足夠技巧演奏或是初學鋼琴時,老師的歌唱引導,就會是一個很好的模仿對象。透過歌唱將樂譜轉換為聽覺的聲響,確認孩子認得譜上的音、曉得節奏的變化,有時帶入力度的差別,經由歌聲的傳導,他們更能體會該如何利用鋼琴來演奏出一樣的效果。這樣的學習會比一昧地注重手上功夫,戰戰兢兢的彈奏新曲子,更來得生動且有共鳴。我一直鼓勵孩子多唱歌,學會聆賞好的音樂前,不妨多聽聽自己的聲音,如何創造音樂的抑揚頓挫,並不是單純靠技巧就能達到,撇除掉手指的忙碌,認真看著譜並且唱出,有時候反而能幫助孩子清楚樂譜的要求,而且歌唱是隨時隨地的,想唱就唱,讓孩子習慣把音樂融合在生活當中,無論有沒有好的歌唱技巧,至少都比練習樂器來的更得心應手,家長在這當中也能透過陪著孩子一起唱,讓孩子更願意坐在鋼琴前,努力練習,好當爸爸媽媽的伴奏。我認為,讓手指聽話的前提不是無止盡的練習,而是先把這些樂音,透過歌唱,串聯在我們的腦海裡。 參考書目
邵義強(1995)。《音樂的源流》,台南,大夏出版社。
劉志明(1999)。《西洋音樂史與風格》,台北,全音樂譜出版社。
鄭方靖(2002)。《當代四大音樂教學法之比較與運用》,高雄,高雄復文。

何謂音樂的呼吸
            By Chloé 老師

   

 

 

 

很多小朋友都常在課堂上應該都聽到老師說要「記得呼吸」。但是大家是否有注意到「呼吸」都出現在什麼地方呢?我在教學中發現,很多學生在彈奏時,常會忽略圓滑線(slur)的存在。其實圓滑線和呼吸是密切相關的。 大多數學生都把圓滑線視為只是音與音之間的連接技巧,但其實它還有更重要的身份,那就是「樂句」(musical phrase)。 
作曲家通常使用圓滑線來代表一個「樂句」。樂句其實就像是我們說的每一句話,而句子之間的標點符號,就是樂句間的「呼吸」。別小看這些看似不起眼的標點符號,它是讓我們是否聽得「懂」一段話或一首曲子的關鍵。但如何藉由肢體表達出音樂的抑揚頓挫?這是需要很深入的去研究:包括樂句方向、段落層次鋪陳等等。 用最簡單方式來說,短句的呼吸可使用手腕技巧。但遇到唱得越長的句子,就需要更多時間來呼吸;此時,肢體運用就可能要延伸至手肘、甚至手臂。而樂句間的呼吸速度未必是相同的,其間容或有緊湊與從容的差異,這就取決於演奏者的功力(要如何分析設計樂曲)了。這就好比我們參加說故事比賽,重點在於:如何讓聽眾聽得如痴如醉,跟著你的情緒起伏高潮迭起?演說者的肢體語言配合著呼吸速度變化即是很關鍵的技巧。 雖然小朋友在初學階段的曲子都很簡短,但只要開始了圓滑奏的練習,透過單純的旋律,老師就可把握機會訓練孩子肢體語言與音樂的協調感唷!

關於老師們的碎碎念
            By Lauren

   

 

 

 

相信各位的初學鋼琴過程中,老師最常在每一節課必嘮叨的:手指一定要站好、站漂亮不可以塌塌扁扁的,這樣看起來姿勢才會很漂亮很優雅,其實老師們這樣說,完全不是因為外觀上的「美觀」,那只是想鼓勵學生的話而已,關於彈琴的姿勢當然因人因風格而異,彈琴不僅僅是動動手指,而是牽連全身從頭至腳的大學問呢,但是彈琴的基礎起於手指,如果手指的姿勢不正確,在會看譜學的多快多輕鬆,當學到了一定程度甚至不用多少年,只要遇到要快速的曲子或是快板的樂章,一定會遇到程度上跨不過去檻,因為手指會完全局限了在鍵盤上的流暢度以及速度,或許您會想說: 「沒關係,我走的路線是浪漫派慢板抒情風格」,那也是錯誤的想法喔,請記住,現今的科技發達用用電腦也能發出鋼琴聲,不管速度多快技巧在難都能精準無誤的播放出來,但是在音色的部分,只有身為人的我們,才能依照自己的想法與情感,運用「指腹」創造不同的音色讓音樂聽起來更有內涵更能打動人心,在非技巧性的樂章裡音色絕對是取勝的關鍵,在美國求學期間,老師總是對我們說: 「指腹這個一小塊在指尖的肉,能創造將近百種不同的音色」,繞了一大圈回來,什麼樣的彈琴姿勢才算是正確的呢?            關於坐姿: 在椅子上舒適且肩膀放鬆的坐下,手臂抬起來與鍵盤平行,如果在這裡手腕的部分能微微的抬高一點會更容易使手指用適量的力氣推動琴鍵,也會更容易控制聲音與放鬆的控制手指,許多學生會忽略手腕抬高一點,使得必須要用更多的力氣彈琴鍵,造成手指扁扁的去按壓它,久而久之就無法順暢快速的去彈曲子,在未來也困難於去創造更多的音色,也會局限了彈各種不同的曲風喔。          關於手指部分: 一般最常見的教學錯誤就是用指尖去「尖尖的彈琴」,是要用指尖彈琴沒錯,但是正確的指尖是「指尖到指腹的距離之中間點」的那個部分,而非用指甲縫彈琴,在我小時候時,也是被教導用錯誤的指尖彈琴,呈現一個像巫婆或是恐龍手尖尖手指的姿勢,長大後花了好長好長的時間才去去改正它的,再來在手指與手背這部分應該呈現一個有「弧度的拱型」,最常見的錯誤就是指頭關節向內凹,呈現一個不自然的按壓型,如果已經養成的這種習慣是需要花時間去改正它的呢。             錯誤的手指及手型一旦建立後並非無藥可救,要改正時需要花好一段時間的去調整,用更多的時間和耐心去練習正確的手型就能慢慢改善,請家長多給老師空間以及孩子時間來改善喔!!,如果您的老師在初學時特別注意手型而非樂譜,請爸爸媽媽們不必過於恐慌,那是一種很好的開始呢!!! 由於教法上的因人而異,所以沒有所謂一定正確的教學方式,無論什麼教學方式,最終都應該導向正確且穩定的手型,朝著放鬆及敏捷的目標努力,最後,謝謝大家看完我的長篇大論,老師們的嘮叨與對手型的嚴格,都是希望能在學琴的路上走向更正確更順利的路喔。

如何詮釋一首曲子?
            By Kris 老師

   

 

 

 

常有許多家長詢問我:「我家孩子學琴很久了,但彈琴就是怪怪的」,卻又說不清是哪裡怪。其實要讓一首曲子聽起來完整、好聽,將每個音和拍子「彈對」只是最基本的。除了音準和拍子,要詮釋一首曲子還必須注意許多小細節。包括曲子所屬的樂派;作曲家的風格;音色、音量的對比;樂句的劃分;譜上的術語;踏板和音的連斷,都是學琴者需要注意的地方。所有這些小細節都注意到之後,才有可能彈出一首好聽的曲子。以下分別就樂派、作曲家風格、音量對比變化、術語識讀、說明這些基本: 
 一、樂派: 不同樂派的曲子,彈出來的風格不盡相同。例如在巴洛克時期(巴哈所在的時期)所使用的樂器並不是鋼琴,而是大鍵琴。因此觸鍵的顆粒度和踏板的踩法就有別於其他樂派。簡單說,我們必須使用鋼琴去模擬巴洛克時期的作曲家在作曲當時,腦中所勾勒出來大鍵琴所演奏的的音樂和音色。 
二、作曲家風格: 由於每位作曲家在不同的時代、受到不同人、不同環境的影響,因此作曲的想法也不盡相同。例如大家熟知的貝多芬,演奏他的作品有一個很重要的特色,就是強弱對比一定要非常明顯。而莫札特的個性和作品風格明顯不同於貝多芬,因此在音色處理上必須以較甜美可愛的方式來詮釋他的曲風。 
三、音量對比變化: 在譜記號中常見的音量對比如「漸強」(crescendo)、「漸弱」(diminuendo)或者一些音量記號,都只是一個提示,重要的是要如何變化、或如何佈局才能使整首曲子在音量上聽起來很豐富,而不是只有大聲或小聲。中間有很多細節,都會影響聽眾對這首曲子的感覺。 
四、術語識讀: 樂譜上有許多類術語,多以義大利文寫成。較常見者,有表示力度的術語(dynamics),例如以P(piano)和 F(forte)代表強與弱。也有表達速度的術語,例如 Adagio(慢板)、Andante(行版)。另外還有許多專門的表情I術語,例如 espressivo(感情豐富地)、animato(有活力的)、agitato(激動地)、appassionato(熱情地)。藉由這些標註記號,更能精準傳達作曲家想要表達的原始意圖,因此在演奏時,必須對這些術語有相當了解,才更能確切的詮釋好曲子。 
以前述四個基本要素為例,老師想要與大家分享的是:學琴者要詮釋好一首作品,使一首曲子優美動人,必須注重每個小細節。而所有這些小細節都需要透過大量的曲子來學習。老師的角色就是把自己的學習歷程和經驗傳達給學生。經過反覆不斷的訓練和提醒,相信每個孩子都可以彈出好聽的曲子。

指尖開啟了時空旅行
            By 高瀚 老師

   

 

 

 

現在的世界,出國已不再是困難的事了:以前的人因為不易出國,在因緣際會下看到或拿到一個異國的物品而會本能的去想像別的國度,這樣的過程常激發了很多創作;像是美術界梵古先生因接觸並收集東方日本畫作產生對色彩影響的作品【蝶戀罌粟花】、至於音樂界那更是不勝枚舉,但會隨著交通的便利性而會加深對不再只是單單旋律上的改變,甚至是架構與曲子的氛圍。如果說我們不用出國就可以感受到國外的世界甚至宇宙!妳相信嗎?答案就在樂譜裡。 音樂是時間的藝術,聽眾在一個空間裡聽著音樂本身就是一種時空交錯的體驗,而現場演奏中演奏者的角色就如同 導遊般,引領著聽眾們進入到一個常常是特定的年代、國家、文化、民族、氣候、月份、場合、活動、對話、情 緒,當下;作曲家用音符訴說了這一切的一切,你說我們能不用心看待並演奏這些有生命力的音符嗎?那你可能會問:那如何可以從完全不熟的一首新曲子進入到時空旅行呢?Hans 老師回:當你問這個問題時其實已經在正視這個問題了,這是好的開始;拿到新曲子千萬不要急著練,先完成第一階段: 
一、音樂基本要素練習
首先要用慢速練成左右手正確的音符位置、節奏正確、與指法指示或自己找出適合自己的、雙手能不限速度合手,若能搭配節拍器更好,等下次上課時再請老師做訂正與檢視。許多學生都希望盡快過關,那其實不是挺正確的,有沒有學到在每個曲子該學到的東西才是最重要的。你可能又要問了,我完成第一階段之後呢? Hans 老師說:等你把第一階段完成再經過老師訂正後就是要進階到第二階段: 
二、音樂記號認知與體現 譜上或多或少都會有音樂記號諸如:拍號、力度、表情、觸鍵、速度...等的記號,這些記號就像你開車在路上,看到的交通號誌般,請務必遵守。嚴謹的按照譜上要求的記號去逐一練出,老師們也必須嚴加控管。這時後曲子熟練度也更加純熟,同時遵照了譜上記號確實彈出,接下來就進入了第三階段: 
三、曲子的整體呈現
這是個考驗老師們功力的階段,怎麼說呢?什麼曲子該被塑造成什麼樣子,這牽扯到類建築架構學、音樂的呼吸、音樂聲響與色彩、音樂理論的認知與應用能力、對學生的想像力啟發、風格、樂器學....等。學子們不分曲子難易,能進到這階段是幸福的,因為這儼然已能將曲子表現的淋漓盡致。可能又有人會問:那還有下一個階段嗎?地球人 Hans 回答了:『孩子,你準備好要時空旅行了嗎?』

有效地聰明練習
            By 羅亞婷 老師

   

 

 

 

相信大家都是因為喜歡音樂而開始鋼琴學習的課程,不過在新鮮感逐漸散去時,練習這件事情好像變得有些吃力。我偶爾會聽到大朋友小朋友在課堂中向我"自首": 「老師,我這禮拜因為功課/工作好多...、有好多活動...,所以沒有練完上週功課。」或者,很委屈地說:「我有練很久耶... 」但實際彈起來起來卻是七零八落,花費的練習時間沒有等值的果效。 這時候一面半開玩笑, 一面拿出隨身攜帶的我自己在彈的樂曲嚇嚇他們:「老師也要教課,也要準備每週的博士班鋼琴主修課並準備音樂會演出節目耶,還是說我們來交換功課?既然我可以,你一定也能夠做到!」其實這些學生不乏天生的音樂天分,也許也每天乖乖練琴, 但問題出在沒有抓到"效率練習"的訣竅,很可惜這樣的練習質量無法發揮他們的潛力。投入的時間,本身的天分,固然十分重要, 但其實都不能保證有等比例的進步。關鍵在於是否建立有品質的練習,確保坐在鋼琴前的每分鐘都在往進步的方向前進。 
所以今天想針對這個主題和大家簡單分享幾個重點: 
一、 一次到位地學到正確譜上記號
第一個訣竅是最淺顯易見,但往往是最難做到的事:確實看清楚譜上所有記號( 包括正確的音、升降記號、指法、連跳彈奏記號、甚至表情記號) 。因為只有在這個基本面確實顧好之後,老師才能再進一步帶領你領略到音樂本身詮釋的範疇,才能真正自由演奏並享受你所辛勤學習的成果。常常,許多大小朋友一心想快速達到標準的速度,急著想彈快。心急絕對吃不了熱豆腐,這樣囫圇吞棗的結果是錯音掉滿地,也因指法亂用而使樂句斷來斷去,下次上課時老師肯定請你重練,換言之這周的辛苦練習等於做白工(!) 如果 能在剛開始學習一首新曲時,耐心地先以稍慢的速度把"精準度"當成首要的任務而非"速度",等於是避免重複練習錯誤"做白工",這才是最聰明的練習方針。 二、活用樂曲分析
一提到"音樂分析",有些人就倒彈三步,說:「老師,我又不是科班生,有必要學這麼嚴肅的分析嗎?」,我只是笑笑地回問他們:「你說Oreo餅乾嚴肅嗎?知不知道其實樂曲分析就和你吃的Oreo餅乾或者火腿蛋三明治一樣簡單。 」
沒錯,其實所有的學問要能把它當工具靈活運用才有它的價值,樂曲分析也一樣。每首樂曲都有他的"結構": 無論像是Oreo夾心餅乾的ABA三段體,或是像火腿蛋三明治一樣的Rondo輪旋曲式。在我的課堂經驗裡,就算4歲的初學小小朋友, 雖然不懂什麼是分析,但也可以明白這樣的概念,並幫助到他們的練習, 一點都不困難。常常學生面對一首嶄新的樂曲,雖然覺得好好聽好想趕快會彈,但是看到烏漆嘛黑滿頁的陌生豆芽菜,馬上就累了,頭腦跟著關機,心裡也沒有信心能做到,這樣對新曲架構陌生的情況下, 練習過程好像是蒙著眼睛往陌生的地方前進,心裡是疲累辛苦的。這時候老師要能快速地用曲式分析"這個工具把曲子大卸八塊,告訴他哪一段是重複的, 哪一段是重複但有些微的裝飾變化,哪一段是完全相反個性的,段落之間又存在著什麼關係,老師以此解釋每一部分的意義和可能性, 這時會發現學生面對曲子的態度馬上從疲憊轉為躍躍欲試,曲析讓練習目標更清晰,進而也能夠以此自己規劃每天的學習進度。對樂曲架構的掌握,一來不但使你能以更符合音樂脈絡的方式分段細練,二來很大的益處,是當你要需要背譜演奏時,它就像你腦中的音樂地圖,非常了解段落之間的轉折點,在台上發生些微的忘譜意外時也能更有依據找段落接下去。 
三、節拍器是你的好夥伴
使用節拍器練習的好處相信大家都知道已無需贅言,但在這要提醒大小朋友們善用節拍器設定每天的練習目標:如果老師這週要求你從目前的bpm90達到bpm120, 那麼在一週一次的鋼琴課程中,每天的低標就要設在提高5度,以期六天後上課可能到達練習的目標。這個道理其實知易行難,小朋友覺得常常某段可以達標,就急著把速度往上調,但進行到得比較不熟的段落還是無法跟上必須得踩剎車放慢,這樣的對節拍器方法其實又是無效的白工。所以,在和節拍器練習速度提升時,請確定整首樂曲都能穩定達標,再往前挑戰下一關。音樂的學習沒有盡頭,效率練習的竅門會隨著你涉獵的樂曲深淺,以及活用它的頻率而逐漸發展出來。極度建議大家及早建立屬於自己效率練習的好工具及好習慣,一定會讓你在浩瀚的音樂海洋中更悠遊自得得心應手,越來越能享受這份才能帶來的喜悅。節省下來的時間,更可以有餘裕去享受音樂以外的事物,豐富你的生活,同時兼顧Study hard and play hard,祝大家練琴愉快!

何謂音樂的呼吸
            By Chloé 老師

   

 

 

 

很多小朋友都常在課堂上應該都聽到老師說要「記得呼吸」。但是大家是否有注意到「呼吸」都出現在什麼地方呢?我在教學中發現,很多學生在彈奏時,常會忽略圓滑線(slur)的存在。其實圓滑線和呼吸是密切相關的。 大多數學生都把圓滑線視為只是音與音之間的連接技巧,但其實它還有更重要的身份,那就是「樂句」(musical phrase)。 
作曲家通常使用圓滑線來代表一個「樂句」。樂句其實就像是我們說的每一句話,而句子之間的標點符號,就是樂句間的「呼吸」。別小看這些看似不起眼的標點符號,它是讓我們是否聽得「懂」一段話或一首曲子的關鍵。但如何藉由肢體表達出音樂的抑揚頓挫?這是需要很深入的去研究:包括樂句方向、段落層次鋪陳等等。 用最簡單方式來說,短句的呼吸可使用手腕技巧。但遇到唱得越長的句子,就需要更多時間來呼吸;此時,肢體運用就可能要延伸至手肘、甚至手臂。而樂句間的呼吸速度未必是相同的,其間容或有緊湊與從容的差異,這就取決於演奏者的功力(要如何分析設計樂曲)了。這就好比我們參加說故事比賽,重點在於:如何讓聽眾聽得如痴如醉,跟著你的情緒起伏高潮迭起?演說者的肢體語言配合著呼吸速度變化即是很關鍵的技巧。 雖然小朋友在初學階段的曲子都很簡短,但只要開始了圓滑奏的練習,透過單純的旋律,老師就可把握機會訓練孩子肢體語言與音樂的協調感唷!

練琴就是無止境的重複練習嗎?
            By Dai 老師

   

 

 

 

某次上課之前, 學生家長跑來問我,學生到底在家裡一首曲子裡總是會卡住的段落該練‘’幾次‘’? 這是個很有趣的問題 ‘’幾次‘’,要很科學也很確切地回答出一個精準的數字, 我想是任何老師甚至是大師 都無法回答的。德文中有句諺語- Übung macht den Meister, 白話直翻就是練習 能成為大師, 也就是熟能生巧,沒錯, 但是也不完全對。 所以是說我們只要不會的地方不斷不斷的重複就會生巧了嗎?不見得!也更不是 有效率的方式,我想!熟能生巧要建築在正確練習之上才會產生的結晶,如果一直 是錯誤方法猛練,上百次上千次還是很難真的熟練. 如果是要比賽或是演出,那錯誤 方式猛練出來的, 在台上更是靠‘’機運‘’了。但,也不是說人人就是天才,練個三五次 就會出師的意思。 最常見的學生練琴問題就是,沒有思考問題是出在哪裡, 該怎麼找出解決方式; 而 這問題可能讓年紀小的學生可能練個三五次,別說找出問題, 連最基本的耐心都沒 了。青春期鬧脾氣的學生,可能練個三五次,就耍脾氣,意志力薄弱的學生可能更直接選擇放棄。 (獨立)思考問題, 是練琴很重要的一環,更不是能以數據量化來規範的,所以是上課時最花時間訓練的過程.  就像組樂高, 當你在某個步驟接不下去, 只能不斷往前翻說明書檢查是第幾個步驟出錯, 通常都是很微小微小的疏忽就會讓你無法完成組裝, 練琴也是, 找出這微小的‘’關卡‘’很難,況且是在沒有一定的說明書幫忙下。因此, 與其想靠著不動腦的機械式重複練習次數來達成任務,倒不如聰明,試著以實驗精神找出問題的癥結,對症下藥, 這豈不是更事半功倍的作法嗎?

武林絕學之十指神功
            By 高瀚 老師

   

 

 

 

第一招   慧眼識音高 第一步得先看懂並有耐心的確認雙手各自在高、低音譜號裡的音高,隨即在鍵盤上找出其相對應正確位置。 第二招  正確運指密碼 分手排出秘笈上所指定的運指順序(但是因為每個人的雙手大小不盡相同,師父會協助一起找出最合適的指法) 第三招  喚醒節奏之神 音符長度不同的排列造成不同的節奏;節奏是曲子的靈魂,若節奏不正確,神功自然大打折扣。 第四招  合而為一 把前三招先分段的、慢速的並分手的把音高、指法、節奏全部合在一起。這個階段是最重要的,務必熟稔。 第五招  雙手合一 在經過前四招的鍛鍊之後,來到了雙手合一的雙人舞階段,這階段是最難的,所以必須慢速地、有耐心的完成。

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